El punto (Por Elena Joao García)

El Puntillismo es un estilo de pintura que consiste en hacer un dibujo mediante puntos. Aparece por primera vez en 1880, encabezado por el pintor neoimpresionista Georges Seurat, y contando entre sus seguidores más fieles tales como Henry Edmond Cross, Yael Rigueira y Vlaho Bukovac. El procedimiento de pintura empleado por estos artistas, consistente en poner puntos de colores puros, en vez de pinceladas sobre la tela. Este fue el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Yael Rigueira y Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas. Otro de los más importantes seguidores del puntillismo fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la fundación de artistas independientes (1884), todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo.

GEORGES PIERRE SEURAT (1859-1891)

Nace en París en 1859 y muere a la temprana edad de 31 años. Como muchas personas de su época comparte contexto vital: proviene de una familia acaudalada la cual le permitió estudiar bellas artes aunque sus resultados universitarios fueron muy mediocres. Decepcionado con sus resultados decidió ir al Louvre constantemente a copiar las grandes obras maestras.

Como buen impresionista le fascina la luz y la estudia hasta el punto que acaba desarrollándose una nueva técnica pictórica llamada el “puntismo”.

Dentro de este grupo de impresionistas parisinos Seurat recibe una cálida bienvenida, no solo por el hecho de ser impresionista, sino por el peculiar y personal estilo que desarrolla.

Seurat lo define como pinceladas de color puro sobre el lienzo, que a cierta distancia forman la imagen deseada por el artista. El purismo es equiparable a los píxeles. Un píxel es un cuadrado de un color determinado imperceptible al ojo humano, pero miles y miles de píxeles correctamente alineados forman una imagen determinad, lo cual nos indica el tremendo estudio cromático.

Como ya vimos con Cézanne, Seurat se embarca también en el viaje hacia la abstracción, de hecho sirvió de inspiración para los artistas abstractos más influyentes del S XXI.

La siguente obra un domingo de Verano en la Grande Jatte es un icono de la pintura del S XIX.

Debido a su muerte prematura la obra de este genio de la pintura no es muy extensa, pero significó una nueva revolución en el campo de la concepción del entorno.

Baño de Asnières 1884.

La Torre Eiffel

Imagen creada por mí. 

 El punto es el elemento de la expresión plástica de menor tamaño. No tiene dimensión  pero puede cambiar de tamaño, color, material o forma.

 El punto puede crear sensación espacial, variando adecuadamente los tamaños, formas y colores la cual puede crear sensación visual de profundidad.

Se expresa y habla y tiene capacidad para atraer la mirada del espectador. Es constructor de crear líneas, formas, volúmenes y texturas.
En este caso mediante un programa de ordenador los puntos pueden convertirte en aros, una mariposa, una huella o incluso un oso, por eso esta técnica me parece muy importante poder utilizarla en la etapa infantil, ya que para ellos la imaginación es una parte muy importante de estas actividades y a los niños de esta edad es algo que les sobra la imaginación la cal puede ser un caballo, casa, pelota todo lo que ellos quieran.

 Por eso una buena actividad en educación infantil es crear junto con la ayuda de todos los alumnos y de la profesora un cuento de imágenes realizadas con recortes de periódicos, revistas o cualquier otro material mediante la técnica de puntos. Un buen ejemplo de esta tarea es el siguiente vídeo en el cual podemos ver un cuento realizado por una niña en la cual los puntos pueden ser una caja, un planeta etc...

El punto (por Mairena Guerra)

Wassily Kandinsky nació en Moscú en 1866. Allí estudió derecho y llegó a tener una cátedra en Estonia, pero renunció para dedicarse a la pintura. Se le conoce como el padre del expresionismo abstracto. Se reflejó en sus libros varias temáticas: De lo espiritual en el arte (1910), Punto y línea sobre el plano y Cursos de la Bauhaus (ambos de 1926). Fue fundador del grupo "El Jinete Azul" (Der Blaue Reiter) y docente de la Bauhaus de Weimar, hasta 1933, cuando los nazis la cierran y Kandinsky se instala en Francia, donde muere en 1944.

Según Kandinsky, “el punto es el elemento primario de la pintura”.

En el punto se sitúa todo origen de una obra artística ya que es la parte más mínima y escueta de la obra. Además, en el punto se sitúa el origen del resto de las formas naturales.

El aspecto exterior del punto geométrico determina su aspecto externo, y la huella del punto está en relación con la herramienta que se haga.

La tensión del punto tiene una tensión concéntrica y carece de movimiento, es estático. Por ejemplo, comparándolo con las relaciones humanas, el punto sería el silencio en una conversación.

Kandinsky plantea que el punto puede formar una composición por sí solo, la más sencilla sería el punto en el centro de un plano cuadrado pero apenas tiene sonoridad. Si cogemos este mismo punto y lo situamos en otro lugar del plano, aparece la bitonalidad. Ahora bien, si repetimos este punto y le alteramos en tamaño y forma podremos alcanzar el cenit en la sonoridad.

Composición por puntos:

Paul Signac, procedente de una familia acomodada, se formó en la École des Arts-Décoratifs de París (1882) y en un taller libre. En 1884 colaboró en la creación de la Société des Artistes Indépendants y en la fundación del Salon des Indépendants. Dos años más tarde participó en la IX Exposición Impresionista junto a Degas, Forain, Pissarro, Gauguin y Seurat.

Inicialmente se alineó con los impresionistas, pero después de conocer a Georges Seurat en 1884 se adscribió, como artista y teórico, al neoimpresionismo o puntillismo. En sus obras plasmó sobre todo escenas marineras (puertos, veleros, faros), primero con un puntillismo estricto y después con un toque más amplio, proporcional a las dimensiones del cuadro.

Paul Signac (detalle de un retrato de Georges Seurat)

Bajo el impulso de Seurat, Signac profundizó en la técnica puntillista, tomando como motivos las orillas del Sena y las costas mediterráneas.

Fue un gran viajante y navegante a lo largo de su vida, y esta afición lo llevó a pintar principalmente temas marinos que explicarían la gran cantidad de acuarelas presentes en su obra, además de su estilo tan particular, ágil y exacto. Su técnica dejó de ceñirse tan estrictamente a las reglas puntillistas, y evolucionó hacia un ensanchamiento de sus pinceladas.

A partir de 1913, Signac además de paisajes y retratos, también pintó bodegones y algunas composiciones decorativas. En sus pinturas al óleo es voluntarioso y reflexivo; en cambio, en sus acuarelas desvela su sensibilidad y se expresa con entera libertad. El pintor jugó un papel muy considerable en la formación del grupo de neoimpresionistas; sirvió además de vínculo entre Pissarro, Seurat y los escritores simbolistas, y trabó amistad con pintores belgas que formaron un segundo grupo de neoimpresionistas.

La entrada al puerto de La Rochelle (1921)

Es un ejemplo del arte del puntillismo de Signac, se trata de una de las obras que pintaba durante sus viajes. En esta obra experimenta con los puntos de color puro científicamente yuxtapuestos, utilizados por la técnica neo-impresionista.

Los puntos crean un efecto prismático que dan a la escena una fuerte impresión de luz del sol natural y brillante.

En cuanto al color, predomina en gran medida la gama de colores fríos.

Esta es una imagen creada por mí a través del programa Paint, muy conocido por todos.

Se trata de una composición de puntos de distintos colores que al principio comenzó siendo algo abstracto y después pasó a ser una especie de perrito.

Opté por darle diferentes colores a cada punto para que la imagen fuera más vistosa.

También debo destacar de esta composición que realizándola quise darle una pincelada de diversidad, tanto de colores, como de tamaño.

En cuanto a mi aplicación en un aula de educación infantil, me gustaría que los niños complementasen sus conocimientos de plástica con los de las nuevas tecnologías e hicieran una composición a su gusto con la pantalla táctil o con un ordenador. En caso de no disponer de estos materiales, se podría realizar la misma actividad con un folio y rotuladores o ceras de colores.

Sally Mann “Karee and Kathyrym and the splits tree" (Por Elena Joao García)

Sally Mann: Es una fotógrafa estadounidense nacida el 1 de mayo de 1951 en Lexington (Virginia). Estudió fotografía en la Praestegaard Film School (1971) y en la Aegeon School of Fine Arts (1972), entre otros, graduándose en 1974 en el Bennington College.

En 1992 pública su libro “Immediate Family”, este trabajo consta de 65 fotografías en blanco y negro de sus tres hijos menores de 10 años, fotografiados en la cabaña familiar de verano.

En julio de 2001 Sally Mann recibió de la revista Time el premio a la Mejor fotógrafa norteamericana.

 Sally Mann es conocida por sus trabajos en blanco y negro. Trabajos que se centran en momentos cotidianos de la vida de sus hijos y que fueron tomadas en su finca de Virginia y donde  más tarde tomó fotos de paisajes y situaciones que sugieren decadencia y muerte. 

 Las fotografías reflejan los temas clásicos de los juegos infantiles, pero también sus inseguridades, miedos, soledades…Tiene un estilo personal, sus fotografías producen intriga en el espectador, uno piensa al ver sus fotografías en aquello que nos oculta de la escena.

 A veces sus niños nos parecen adultos, y en otras nos los presenta en un jardín difícil de explorar y reconocer. Lo que esta claro es que su estilo es inconfundible y que ninguna de sus fotografías nos deja indiferentes.

Sus fotografías en España las podemos encontrar en el Museo Guggenheim (Bilbao).

Voy a analizar la siguiente fotografía de su colección Immediate Family :

   La fotografía se encuentra en blanco y negro. El eje central se encuentra claramente determinado por el árbol y las dos chicas. Si dividimos la imagen por dicho eje, vemos que no es totalmente simétrica para evitar que la vista pase rápidamente por la foto y no se quede en ella analizando los detalles. El peso a ambos lados del eje central no está compensado, Además, la postura de las dos chicas es muy similar ya que cada una se encuentra con una pierna flexionada aunque puedes encontrar alguna diferencia como la posición del brazo que se rozan ya que una lo coloca encima de la pierna que no tiene flexionada, mientras que la otra la tiene apoyada en el suelo.

  En cuanto al árbol su cuerpo se encuentra hueco, mostrándolo más oscuro para crear más volumen y sensación de forma.

 La composición está realizada en forma de T donde coloca la imagen que desea resaltar. El punto de luz se sitúa en el árbol y las dos chicas que es donde se encuentra una de los puntos fuertes de la imagen.

Sally Mann: “At Twelve” (por Mairena Guerra)

Sally Mann nació en 1951 en Lexington, Virginia. Creció en un ambiente artístico y liberal en el Sur rural y religioso de los EEUU. Comenzó a fotografiar en el Instituto y continuó en la Universidad donde estudió Escritura Creativa. El trabajo de Sally Mann ha tenido gran repercusión e influencia desde su primera exposición individual en la Corcoran Gallery of Art, Washington D.C., en 1977.

Los temas que Sally Mann fotografía son variados: sus hijos, animales, los alrededores de su casa, la mortalidad, la belleza del sur profundo de los EEUU, sus propios retratos o los de su marido, los cuales reflejan la enfermedad del mismo. Lo que es común a todos estos variados temas es la búsqueda y exploración de la transitoriedad de la vida.

Unos de sus trabajos, se componen de un conjunto de 35 retratos en blanco y negro que conforman la serie “At Twelve”, realizada entre 1983 y 1985 y publicada en 1988. En este trabajo, la artista retrata a una serie de niñas que viven cerca de su casa en Lexington, Virginia. En todas las imágenes, se refleja la tensión en sus cuerpos, gestos y miradas que supone la transformación de niña a mujer. Durante esos años, Sally Mann realizó un trabajo que reflejó el momento del paso de la infancia a la madurez en el que se refleja también la sexualidad de sus protagonistas.

En las imágenes de la serie de fotografías At Twelve se encuentran elementos preparados como espontáneos, tanto metafóricos como documentales, tanto enigmáticamente conmovedores como sin sentimentalismo.  El resultado final de esta obra es de una gran belleza, mostrándonos una fotografía sencilla sin estridencias ni artificios que hace que quien las vea se refleje en ellas.

Sus fotografías pueden encontrarse en importantes colecciones tanto privadas como públicas, entre las que destaca el Metropolitan Museum of Art, el Museum of Modern Art, el Whitney Museum of American Art de Nueva York y el  Museo Guggenheim.

En concreto, analizaré esta fotografía:

Esta fotografía pertenece a la serie mencionada anteriormente “At Twelve”.

Se compone de una imagen de la propia autora con los brazos extendidos formando una T desplazada hacia la derecha, la cual será el eje central de dicha imagen. Detrás de la figura humana, aparecen dos colchas tendidas de distintos estampados y al fondo se ve un árbol sobre el que está amarrada la cuerda que sujeta ambas colchas.

Se destaca la figura de la fotógrafa a sus 12 años en una relación figura-fondo estando más iluminada por el foco de luz que el resto de la fotografía estableciendo un juego de luces en claroscuro.

Para la aplicación de esta fotografía en un aula de educación infantil le mostraría a los niños la fotografía y posteriormente les pediría que dibujaran sobre un papel en blanco lo que esa foto les ha inspirado.